" "

DEKALOG: 1999 10 filmer 20 år etter tusenårsskiftet

Denne leveransen av DECÁLOGO er dedikert til nostalgi, og spesielt til markeringen av 20-årsjubileet for 'Matrix', 'Magnolia' og 'Eyes tight lukket'

1999 er slutten av århundret, fremkomsten av det nye årtusenet, frykt og kval dominerer de begynnende sosiale nettverk og massemedier; følelseres virtuelle virkelighet bekrefter århundreskiftet og dets sannsynlige konsekvenser av kaos og transformasjon; En usikker fremtid, fremtiden og galskapen, hevder å koble fra verden ved å koble den sammen og starte historien på nytt fra slutten. Slutten på historien, omskriving av den, eller bunnen av et bunnløst hull, kvalifiserer de siste månedene av året, håp er ikke en konstant, frykt for en mulighet, matematikk truer med å gi etter for sine egne regler gjennom ukrypterbare, antatte akronymer faktisk Y2K ... Ingenting av dette skjedde, som angitt, på null timer den første dagen i år 2000.

Alt gikk sakte og sakte, inntil plutselig, etter hendelsene i 2001, ingenting ville være det samme i verden, ingenting, ikke engang frykten ville være den samme, det kjente ville være ukjent og forhåndsregelen ville være mot det uforutsette ; kinoen så hast, forvirring, tomhet og forlatelse, det kollektive selvmordet av fortvilelse. Ulike filmer som ble filmet, utgitt eller laget i 1999 hadde en bred effekt i forskjellige sjangre, Rossetta og Himalaya i internasjonal kino , Election, South Park og Office Tangles vekket uventede smil som forventet var suksessene til Unexpected Miracle, The Boys Don't Cry, Innocence avbrutt o Den talentfulle Mr. Ripley og Livets regler. Generasjonsbånd som American Pie eller Sex Games, innovative spill som The Blair Witch Project, eller konvensjonelle komedier, Et sted som heter Nothing Hill, eller en handling som The Mummy, mettet den definitive passasjen til kinoer som teatre til filmkomplekser av rikelig med projeksjonsskjermer uten mellomliggende, de samme kassebåndene som dramatiske, bare i midten prosess som senere ville sende uavhengige bånd av kunstnerisk snitt til spesielle rom med funksjoner som ikke er tilgjengelige tidsplaner eller med lite spekter for visning.

I 1999 ble det premiere på filmer regissert av vigslede regissører som Lives to the Limit of Martin Scorsese , The Informant of Michael Mann , The Legend of the Headless Horseman av Tim Burton eller A Simple Story av David Lynch, som gikk gjennom genren da gjenoppsto og etablerte animasjonsfilm, som Tarzan gjorde, eller mesterverket som ville se hans full anerkjennelse i 2000: Beau Travail .

1999, selv om det er tittelen på en ikonisk sang av den enorme prinsen, var det også et år fullt av historiske og omstendighetshendelser som kunngjorde endringen av postmodernismen i en ironisk scene eller full av paradokser, hvor verbigracia av to enheter, vi er nærmere fra hvem som er langt, og lenger fra hvem som er i nærheten, der sosiale nettverk er møte og uenighet, av applikasjoner, plattformer og enheter som ville være det nye og personlige underholdningsstedet, der storskjerm og kinoer begynner å være et rekreasjonsalternativ nesten utelukkende for store produksjoner eller sagaer.

Det ville være etter 1999 at Harry Potter, Ringenes Lord og Spiderman, skulle ankomme kinoen for å vike for oppstandelsen av 3D i Avatar 1 tiår senere eller, etter et annet tiår, for å være vitne til flommen nesten utelukkende av animerte filmer eller superhelter, å forlate døra åpen for de områdene for bånd som nysgjerrig, fra det upersonlige, har blitt mer personlig. Jeg husker godt 1999, det året jeg levde opplevelsene som ble fortalt i min roman El Surco, og jeg akkompagnerte refleksjonene med båndene som DECÁLOGO presenterer, viet til nostalgi, og spesielt til minne om 20-årsjubileet for Matrix, Magnolia og Eyes tett lukket Rekkefølgen på båndene advarer om at det er så mange av store prestasjoner, innhold og produksjon i 1999, at det bare er å dele 10 krefter for å ty til tilknytning. Morsomt faktum: halvparten av titlene er rå operaer, og av dem begynner DECALOGUE med en regissørs debutopera og avsluttes med en avsluttende film fra en annen, som enunciates kreativitet og ny verve som, kombinert med det siste stykket fra en arv, bidro kinoen til det året til kanon for universell kinematografi.

10. AMERICAN BEAUTY (American Beauty) Dir. Sam Mendes

Vinner av Oscar for beste filmpris, den kontroversielle debuten til Sam Mendes, ble en blockbuster og kritiker, sistnevnte i det minste i begynnelsen, fordi i motsetning til de fleste filmer der vurderingen av innholdet blir revurdert, skjønnhet Amerikansk derimot viste tegn til å bli overvurdert av mye av det spesialiserte blekket; Dessuten var det kanskje perspektivet til en epoke med utfordrende, komplekse og dekonstruktive bånd, Mendes forslag fremsto til og med som et konvensjonelt blink eller plassert i et moralistisk komfortrom, som om å holde seg til ønskene fikk straff. Sannheten er at filmen har et dristig manus og solide forestillinger, der den skjebnesvangre Kevin Spacey oppnår en subtil tolkning, og Annete Bening skiller seg ut med den åpenbare uroen for kjedsomhet, slapphet og ulykkelighet over det som ser ut til å ha falt i den ideelle monotonien. Der ingenting er ideelt.

Alan Bells manus, akkompagnert av tolkningene av Wes Bentley, Mena Suvari og den erfarne Chris Cooper, beskriver omskiftene til den vanlige, men dysfunksjonelle Burham-familien, utforsker nærområdet til forstedene som en arena for medvirkning, undertrykte ønsker, tilnærming til det forbudte, selvsensuren av utseende og simulering som en konstant av menneskelige relasjoner til den ambisiøse middelklassen den refererer til. Tittelen gir et søk som ser ut til å ha funnet betydningen av skjønnhet i det som er skjult, der fargene reflekterer holdninger, ønsker og fantasier, mens virkeligheten er grusom som den som undertrykker, og som godt gjenspeiler musikken komponert av Thomas Newman . Jeg husker da jeg gikk for å se filmen i begynnelsen av høsten 1999, bare på begynnelsen av semesteret og med adrenalinet fra århundreskiftet som da var sjenert, den mest sjokkerende scenen, i tillegg til den visuelt suggererende og Den klassiske sekvensen til badekaret og de røde kronbladene som den knytter seg til, var den der Lester, kledd i en arbeidsuniform, tar imot Carolyn i resepsjonen på gatekjøkkenet, og avslører spillet deretter.

9. GIANT OF Iron (The Iron Giant) Dir. Brad Bird

Hvis eventyret bebodd alle fantasiens dimensjoner, bør fantasien være et eventyr. Slik kunne jeg definere den enkle og sammensatte filmen The Iron Giant, en førsteklasses opera av regissør Brad Bird, som delte et skrivebord med animasjonslegender som Tim Burton og John Lasseter, og ga nyanser med Matt Groening til dusinvis av kapitler i Los Simpson i forskjellige sesonger. Karakterisert ved at animasjonen kom tilbake til kinoens stjerneplan med det elegante eksperimentet av Who cheated Roger Rabbit (1988) og The Little Mermaid i 1989, så 90-tallet fremveksten av franchiser, tematisk innovasjon og grunnlaget for forskjellige klassiske historier, med rot i den dypeste underholdningen i alle aldre, animasjonsfilmer som det hadde vært i tiårene av 40- og 50-tallet med enestående suksess. Disney ledet innsatsen basert på ledelse av sin tradisjon, kombinert med alliansen som det kaliforniske selskapet ville inngå ved å slå sammen Pixar, et selskap som grunnla George Lucas på 80-tallet, og katapulerte den nevnte John Lasseter med Toy Story i 1995; senere andre studier ville legge til prosessen.

Bird, og dens jerngigant, basert på boken skrevet av den britiske poeten Ted Hughes i 1968, dukker opp på scenen akkurat på slutten av årtusenet, der visuelle effekter konkurrerte, som i dag, om å forundre hallene med stadig mer vågale effekter, situasjon som forlot linjen veldig høyt for en tradisjonell animatør.

Jerngiganten ankom teatre i 1999, og da han kom sa han farvel til salene, uten mye støy, uten mye forventning, betraktet som en finansiell fiasko og et veddemål som knapt kunne gjenopprette investeringen hans; Kritikere og kinogjengere som ga seg selv muligheten til å glede seg over den med tiden, har imidlertid gjennomgått den fantastiske opplevelsen som filmen betyr på et emosjonelt og menneskelig plan. En animasjon blandet mellom tradisjonell teknikk og innovasjon, en historie som begynner utenfor planeten, rundt den og som skjer i en liten by; en leksjon om modenhet og følsomhet fra Hogard, følsomheten i barndommen, iveren etter å glede oss over og undre omgivelsene, og det ender opp med å bli hverdagslige når vi virkelig forlater drømmene som ga oss ånden da vi var små.

En historie satt på 50-tallet, da science fiction-filmer var i full gang, utenomjordiske invasjoner, samt kjernefysiske spenninger fra den kalde krigen bebød samtaler, fantasi og antakelser, noe som ikke var langt fra 1968 da det ble skrevet, og heller ikke i 1999 da slutten av en epoke genererte frykt, usikkerhet og samtidig det fornyede håpet. Hogarth Hughes, i et nikk til innovatøren Howard Hughes, er hovedpersonen, som hekker i sin oppførsel, i sin glede, i sin ensomme og nysgjerrige barndom, ønsker og drømmer som et barn holder og uttrykker i øyeblikkene når fantasien innbyr til eventyret, alltid klar, alltid villig til å kjenne til, oppdage, utforske, og i disse engstelsene konvergerer besøket av Jernkjempen fra det ytre rom, synet, møtet og den påfølgende interaksjonen, gjør en kritikk av moderniteten fra postmodernitet, et blikk på de siste 50 årene, nyheten om begynnelsen av et nytt årtusen og fremtiden som som aldri før ber om grunner og ignorerer følelsene selv om de føler dem.

Kjempen er i stand til å føle, å lytte, være bevisst, og alt fra sitt vennskap med et barn, er i stand til å anta fred som et budskap, fred som en mulighet, som en mulighet, og i jakten på å være det du vil være, sementvennskap som en unik verdi; skurkene er ikke roboter eller romvesener, de bor blant oss, besettelse, fordommer, frykt for det vi ikke forstår, vitenskapens dikotomi, oppfinnelsens dobbelthet; båndet advarer om at heltene er de som tør å være som de vil, vekk fra stolthet, meldingen omfavner søket etter drømmer fra søken etter det gode, og at gesten flytter den bort fra jeget, til "meg" til superhelten, møtes i "vi". Brad Bird ville ha monumentale kritikere og kassasuksesser, The Incredibles (2004) og Ratatouille (2007), kassetter som ville gi ham to Oscar-priser for beste animerte film, og deretter filmen Mission Impossible: Phantom Protocol, hans første og eneste dato for gjennomføring ikke animert, for mange, den beste leveransen av sagaen. Fantasien beboer eventyret til de sanne hovedpersonene, jentene og guttene som lar oss fortsette å bo i rart av undring, eventyret om å være den du vil være.

8. VIL DU BLI JOHN MALKOVICH? (Being John Malkovich) Dir. Spike Jonze

Innovativ, dynamisk, kompleks, frisk, dristig, vil du være John Malkovich? Det brast som et brøl i 1999, Spike Jonzes debutopera, forvirret de som ikke forventet å se en film hvis sentrale karakter var hovedpersonens sinn uten å være det, der skuespillerne ga liv til hovedpersonen. En marionett, i tillegg til tilfeldig nysgjerrighet, klarer å finne veien til gangen som overraskende fører til sinnet til skuespilleren og karakteren: John Malkovich. Hvis skuespilleren for tiden er anerkjent som en av de mest forskjellige skuespillerne i Hollywood, var han allerede i 1999, og lukket to tiår med forskjellige filmer som inkluderer The Fields of Death and Dangerous Relationships, The Protective Sky eller In the line of ild, men å lage et bånd om å oppdage, avdekke, utforske sinnet til en skuespiller, kunne bare stamme fra et annet stort sinn, Charlie Kaufman.

Kaufmans manus rystet bransjen med stor interesse, og filmen ble godt mottatt av kritikere som fløt over i å fremheve det fiktive spillet om å komme inn i sinnet til en kjendis, en slags mental voyeurisme, og presenterer den fra en John Cusack strålende, inkarnerende en sjenert mann som ser i denne omstendigheten gjenspeile det motsatte, som er hans kone, i malstrømmen til en kval som introverer, åpner banen for en alternativ virkelighet. Å bo i andres sinn, disinhibere de mangfoldige personlighetene som er inni oss gjennom den andres indre, en dom av annenhet og speil som regissøren håndterer med mestring.

Spike Jonze tok straks fart i rekkene av de nye regissørene i det nye årtusenet, det var et lykkebringende år å oppleve fra det minst tenkelige, tilskuerens sinn fra en skuespillers sinn gjennom andres og andre skuespillers øyne, en synergi av kontinuerlig tolkning som skilte seg ut i forestillingene til Cameron Díaz og Catherine Keener, som går gjennom en tunnel som overrasker det samme som avslører, fra de mest avsidesliggende områdene i sinnet, at vi ligner mer enn John Malkovich.

7. ALT OM MOREN min Dir. Pedro Almodóvar

Tiåret på 80-tallet hadde betydd for Pedro Almodóvar en fase med ekstraordinær suksess, spesielt på grunn av den enorme populære og kritiske suksessen han oppnådde med Mujeres på grensen til et nervøst sammenbrudd, men det var på slutten av 90-tallet Kritikerne ville definitivt overgi seg til talentet deres utover å anerkjenne deres fortellende fordeler. Alt om min mor fylte den latinamerikanske kinoen sterkt.

Kompleksiteten i dets tema, de konvekse vinklene til avsløringer presentert av dialogene og kraftige, følsomme og stemningsfulle handlinger, gjorde at plottet ble en vågal, følt og dyp måte å adressere tapet, beslutningen og transformasjonen av å være før livet, sjanse og omstendighet. Tapet av en sønn for hovedpersonen, og møtet med seg selv for en annen karakter, lar nåtiden være ly, krevende, tigge fortiden, en mor som leter etter faren til en sønn som har gått tapt, en far som ikke eksisterer lenger, selv om i live, fordi han har forandret seg i noen andre, har han klart å være henne og i den fylden, identiteten og jakten på et eget sted siden tapet, gi Manchego-direktørens bånd et glimt av det som gjenstår av oss i tapene, i transplantasjonene som gir død gir liv, og morsrollen som båndets sentrale konsept.

Cecilia Roth, Marisa Paredes og Penelope Cruz tilbyr forestillinger fulle av styrke, energi og karakter i en film der regissøren hennes utforsker ulike temaer som homoseksualitet, transseksualitet, tro, eksistensialisme, kvinnens rolle, morsrollen forstått fra en machokonsept, frigjøring av kvinner og menn i samsvar, dødelighet og forløsning fra kunst. Skuespillet som sådan blir kontaktet av en skuespiller som lider, trøtt og overveldet, den samme som leverer, tilbyr og utfører i rollene hun spiller fra ensomhet.

6. THE Sixth Sense (The Sixth Sense) Dir. M. Night Shyamalan

90-tallet ble preget av å vise filmer hvis overraskende avslutninger gjorde at endringene i nøtt eller fortelling ble en litterær vending som ga publikum morsomme og svært emosjonelle opplevelser, The Seven Deadly Sins, The Fight Club, The Root of Fear Vanlige mistenkte, Drømmer om flukt, er noen av filmene hvis endelige handling var en virkelig storm av uventede følelser og tvangsdebatter. Den sjette sansen ville bli med på denne listen, men ville gjøre det fra spenningen, som ikke terroriserte; fra dramaet, at ingen tragedie; fra forventningen, ikke fra besluttsomheten.

Karakterene er involvert i en dynamikk som utforsker døden som en tilstedeværelse, vitnesbyrd som en missiv, og telekinesis som en interdimensjonal mulighet for ens eget liv. Et barn, Haley Joel Osment, konfronterer legen sin med at det i psykologi vil være verdt å finne det parasykologiske og det spirituelle på samme søk, ved å tilstå at han er i stand til å se døde mennesker og enda mer, å kontakte dem på noen måte; Bruce Willis, legen, med en stormfull fortid overfor sine pasienter i tragedien, lytter og ivaretar den antatte pasienten mens han stille ser på den desperate oppførselen til moren, Toni Collette, for å finne en forklaring på hva som skjer. En historie om forløsning eller et manifest mot livet, fra sansene, eller fra den sjette sansen som føles utover det de levende kan føle, posisjonerer M. Night Shyamalans opera prima, som en av de beste filmene fra spenning av historien, at selv om den har falt i klisjéen og publikum snør på grunn av sin popularitet, er det fortsatt en første kontakt-filmprestasjon som lengter etter å se den andre umiddelbart, hvordan var det mulig å sette sammen plottet på en slik måte at publikum merker ikke slutten før det er manifestert.

Integrasjonen av et suggererende narrativ som ikke avslører, som skjuler, men viser, agiterer betrakterens reaksjoner som et forventet aksiom, men venter på forklaringer på en negativ reaksjon, kompleksiteten i å sette sammen plottet som reaksjoner uten å avsløre sikkerhet, gir sjette mening en mengde svar fra det samme mysteriet, en formel som regissøren prøvde å gjenta med ulik suksess i forskjellige filmer, og som også etterlignes i noen andre erkjennelser. Den kreative formen til Shyamalan motiverte utvilsomt utformingen av en form for subtil produksjon, hvordan man oppnår realiseringen av en film med overraskende slutt, noe som får et nytt blikk og som på det tredje ser ut til å miste virkningen av første blikk i nesten dens totalitet, det vil si at det er et overraskende bånd som ved første kontakt, ved første blikk, vekker den forhåndslig opphøyelse av alle sanser før den sjette.

5. Fight Cub CLUB Dir. David Fincher

Basert på den postmoderne romanen, symbol på X-generasjonen og skrevet av Chuck Palahniuk, er Fight Club en av de mest blendende og klarsynte filmene i sin egen forvirring, fra det siste året på 90-tallet. varm av kritikk og billettkontor i begynnelsen, litt etter litt fikk den respekt, anerkjennelse og et stort antall tilhengere som posisjonerer den som en film utover kultens, generasjons, definitive på slutten av århundret.

I regi av David Fincher utforsker Fight Club forskjellige temaer basert på letingen etter et eget sted, av en eksistensiell grunn, og av identiteten som er involvert i vold, lettelse, schizofreni eller stresset i hverdagen. Den narrative dimensjonen utvikler den doble personligheten eller flerfagligheten som er forankret i det vi er, hva vi ikke vil være og hva vi lengter etter å bli i midten, med en forteller som bukker under for virkeligheten når han beveger seg bort fra den for å fokusere på Sinnet som uttaler ham. Kampklubben er et konstant søk, et desperat kall, følelsen av manifest tilhørighet ved ikke å tilhøre noe. Den første regelen i et Mayhem-prosjekt er ikke å snakke om Mayhem-prosjektet, og i den linjen som refererer til hemmeligholdet om en lengsel, støtter manuset konflikten om å bli med på noe eller noen, selv til oss selv.

Tyler Durden ble en referanse, en emblemkarakter som opprinnelig har et ansikt og som etter hvert som filmen skrider frem, avslører en annen for å innse at den verken er den ene eller den andre, men alt; på den måten er klubben en møteplass for de tapte, ulykkelige eller vesener på leting, og kampen er ikke noe mer enn en indikator på holdningen og volden, muligheten for å finne et rom der det ikke er sannsynlighet for funnet. Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto og Helena Bonham Carter, integrerer et avgjørende rollebesetning som hekker i de grønne og brune, svarte og grå fargene i en forlatt bygning av okerfuktighet, der han konspirerer, tilstår, definerer uten flere ord enn knyttnever, og energien før samfunnet som kommer fra dem.

4. IKKE EN MINDRE (Ingen mindre) Dir. Zhang Yimou

Master of universal cinematography, Zhang Yimou presenterer i Verken en mindre en intim, følsom og realistisk film som overskrider kunsten å bli universell fra menneskehetens historie. Satt i et landlig miljø med marginalisering og spenst, presenterer ikke en en historie som kontrasterer utviklingen av avantgarde og teknologisk Kina, med landlige Kina for landbruksforbruk og skoler som lider av livsopphold. En skole uten lærer, en lærer som er fraværende fra familiedramaet, en vikar lærer som ikke har mer enn årene med ungdomstrinn, for å sette ned ikke bare ansvaret for undervisning, men den for foreldrerollen som må brukes for å forhindre at intet barn forlater klasserommet på forhåndsinntrykket om at hvis han ikke gjorde det, ikke kunne han innkassere betalingene sine, men historien overskrider lønnen for empati. Hensikten med hva skolen betyr overskrider det utdannelsen i seg selv betyr; I det øyeblikket ett av barna forlater av omstendighet og kontekst, og hun antar å gå mot byen for ham, vil ikke risikoen og omskiftene på reisen ha betydning.

Det er det påtatte ansvaret, engasjementet, for å returnere det, og ved at iherdighet utnytter Yimou sine fortellende og visuelle ressurser for å lage en film av full nyrealisme. Som en dokumentar, i en blanding av fiksjon og virkelighet, presenterer den berømte regissøren alternative realiteter, parallelt med dualiteten i den økonomiske utviklingen som involverer ham, en ellers emosjonell film, som ble utrolig forbudt fra filmfestivalen i Cannes, og som vinn klart den gylne løven av filmfestivalen i Venezia Den narrative dikotomien til Yimou er en vestige som katapetterer båndet som en av referentene til den nye realismen i asiatisk kino, og en av tiårets mest bedårende filmer.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Dir. Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson kondenserer fallet av postmodernitet og dets leting etter identiteter i et stykke smerte, anger, tomhet og fortvilelse; hver av karakterene som er sammenkoblet med tilfeldigheter eller med ulykke, bærer linjene sine, og spesielt i uttrykkene deres, summen av all frykt og engstelse som tilsvarer mangel på kjærlighet, tilknytning og motiver. Letingen etter en lykkestilstand som ikke ser ut til å eksistere, resignasjon, klarsynt drømming eller masker som dekker de hemmelige intensjonene, preger musikalske notene til en delt sang, av en snill latter, av en ødelagt forespørsel, av et mislykket forsøk og av gode gjerninger uten formål eller mening . American Beauty ble myntet som den Oscar-vinnende filmen for beste film, men en film utgitt i desember 1999 vil bli husket, ikke i historien, som en permanent advarsel fra et samfunn som fortsetter å søke etter sin plass til feil tidspunkt: magnolia. Magnolia er en vakker side i historien til samtidens kino, vakker selv om det gjør vondt, vakker, selv om den er skummel, vakker, selv om den i seg selv virker beklagelig eller lite attraktiv.

Overfloden av gode forestillinger etterlater sitt preg som om papiret var det lerretet der tidevannet passet, skjelvingene og regnbuen på slutten av stormen. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman og Jason Robards - i hans siste rolle - medfølger blant annet den mektige, kyniske, følsomme og kanskje beste forestillingen i Cruises karriere, til gjøre Magnolia til en av tiårets beste filmer, en individuell og kollektiv refleksjon over paradokset, følelser, tilknytninger, bekreftelsen av en stor regissør og fremkomsten av et regn impregnert med de tomere postmoderne aromaene. Tom Cruise vant sin tredje Golden Globe og sin tredje Oscar-nominasjon for beste skuespiller, for rollen som Frank TJ Mackey, en karakter som har blitt en kult for de som analyserer, studerer og anerkjenner kinoen til Thomas Anderson

Magnolia trekker fram realistiske, rå og forvirrende øyeblikk, akkurat som det henger surrealistiske intervaller kledd i eksistensialisme, uro og usikkerhet; Kausalitet og sjanse overvelde og frigjøre, straffe og innløse livets små ting som et smertefullt kalejdoskop av pust og pust. Den offisielle sangen til filmen, "Salvame", skildrer i sin lyrikk med stor presisjon, det fabelaktige brorskapet av tilfeldigheter og kontekst, karakterenes presserende oppfordring til å redde seg selv og i kval ikke finne frelse i seg selv, av der hever samkjøring av historier en sirkel av tverrgående fagforeninger som finner konsentriske poeng for smerte, og spredte punkter for oppgivelse. Filmen er et narrativ eksempel på postmoderskapet den lever, og av det nye årtusenet som vil utfordre de emosjonelle båndene av virtuelle bånd.

2. MATRIX (Matrix) Dir. Wachowski Brothers

Å bo i en virkelighet som blir gitt til oss og å ta den for gitt, er en del av livets overlevelse, men å utfordre dogmen, tvile på den, finne ut dens opprinnelse og oppdage muligheten for en alternativ virkelighet som omgir oss, inviterer betrakteren til å sette inn i den romtiden som kan manipulere energi, statisk og dynamisk bevegelse. Sommeren 1999 så frem til Star Wars i Episode I tilbake, for å avdekke begynnelsen av Darth Vader via Anakin Skywalker, skurk og helt for fremragende suksesser, stjernekarakteren i samtidskino og at dette året feirer fire tiår med å definere hvordan man skal presentere mytologi og klassiske myter på kino, en viktig prosess som gir mening til fortellingen. Imidlertid var sommeren det året også vitne til blant andre filmer den forferdelige fiaskoen fra Wild, Wild West med Will Smith, og den kontroversielle sommerpremieren, den kontroversielle sluttfilmen av Stanley Kubrick, Eyes tett lukket, med Nicole Kidman og Tom Cruise .

Mens Episode I mettet kassekontoret impregnert med aviditet og nostalgi, og Eyes godt lukket provoserte publikum fra den psykologiske thrilleren, Matrix, av Wachowski-brødrene, ga sommeren forbløffet over de visuelle effektene og underholdningen til sommeren, begravelse a Permanent sommer som har blitt et visuelt ikon på slutten av århundret. Neo, spilt av Keanu Reeves, er refleksjonen av postmodernitet, der mulighetene for systemenes struktur og funksjonalitet bukker under for ny tro. Matrix forfølger og avdekker religioner, politiske systemer og hengivenhetene gitt ved fratredelse eller skikk, for å gjøre de "valgte" til et frigjørende alternativ til virkeligheten. Neo søker å frigjøre og forvandle sitt eget daglige liv til den ferdigheten som styrer omgivelsene hans og endre størrelsen, hvor meldingen i seg selv er en utfordring for Wachowski-brødrene.

Effektene som ble brukt i Matrix, selv om de inspirerte senere koreografier og satte et uutslettelig preg på teknologi til tjeneste for kino, hadde en innvirkning like resonant som hovedpersonene; det er ikke tilfeldig at han for John Wick-sagaen, Fishburne, ledsaget Reeves på scenen, og at koreografiene igjen trosser vinden. Det er morsomt, Wick er en nedrykket fra virkeligheten, og ser ut til å være valgt, Neo er en valgt som trosser virkeligheten. Fremtiden skulle vise at regissørene etter egen erfaring ville gjøre livet til en utfordring for det som ble gitt ved å bevege seg mot ønsket, i et tydelig budskap om eksistensialistisk frigjøring. Mot slutten av det året og da århundret var slutt for å starte det nye årtusenet, gjorde flere filmer en bukke i familiens, religiøse og åndelige " etablering. " Amerikansk skjønnhet, Den sjette sansen for M. Shyamalan eller Magnolia av Paul Thomas Anderson, vil føre til svingete koraller av avslørende forstyrrelse, de samme fangetilstandene som konvergerte i Matrix sommeren 1999.

1. ØYE VEL STENGT (Eyes Wide Shut) Dir. Stanley Kubrick

Kunstnerisk epitaf i arbeidet med en provokatør av ønsker, en urovekkende utforskning av den vekke libido, som regissøren ikke hadde utforsket siden den fantastiske Lolita (1962), suveren litterær tilpasning av Nabokov. Det ekteskapelige forholdet som forvandler kjærlighet til skikk, smaken i delegert lengsel, viljen til monogami i fantasy som blir undertrykt og deretter uttrykt i spillene i sinnet, viker for en film som gjorde en bukke mest Kubricks sterke kritikere åpnet på sin side en kunstnerisk debatt i tilhengerne. Akkurat på slutten av århundret og på tampen av det nye årtusenet, blir Eyes godt lukket presentert som et dobbeltmoralsk syn på aristokratiet i møte med utroskap, etikk og med større dristighet, som en gjennomgang av tabubelagte spørsmål om det postmoderne samfunn, menneskehandel og prostitusjon som et problem i byen, til politiets dekning av overgrep, og fra det sosiale avhøret går det inn i de blålige marerittene i et ekteskap som opplever krisen med fristelse og selvtillit som ligner behovet for tilståelse .

Tom Cruise og Nicole Kidman tar sitt virkelige forhold til skjønnlitteraturen tilpasset fra Traumnovelle- romanen, skrevet i 1926 av Arthur Schnitzler gjennom karakterene William og Alice Harford. Og som et resultat av en virkelighet som er forvekslet med fantasi, førte mer enn to års filming og andre kontekstuelle omstendigheter paret til skilsmisse, og Kubrick leverte sin siste film, også med hovedrollene Todd Field og Sidney Pollack, postume. En natt gjennom byen og dens utkanter, en reise gjennom gatene og skyggene, gjennom byen og dens kostymer, står overfor den tvilsomme dualiteten til en ondsinnet åpenbaring som Alice gjør for William, og som genererer passasjene til en visuell orgie motivert av identiteten bak masken og den konkupiscerende seksualiteten til ønsket når den kommer til uttrykk. Tittelen ser ut til å advare betrakteren fra ironien, øynene vil være mer åpne for antakelsen av "ville ha" som går fra det forbudte. Et satirisk julebånd gitt ut sommeren 1999, som gjennom tidene er blitt verdsatt og betraktet som kult. Kubrick døde før premieren, kanskje lettelsen av skandalen ville ha tatt ham flere år til kritikere delte Cruises rystelse som Dr. Harford ved nattens mystiske passord og ritualer.

20 år senere strømmet utforskningen av Dr. Hardfords indre, Alice's desperate stillhet etter gjenfødelse av lyst fra lysten inn i søvnens mareritt, eller brorskapet til masker som skjuler identiteter for å skaffe seg andre i dansen om det utestengt, og i lys av det okkulte fortsetter de å avdekke alle slags tolkninger og meningsdommer, som har revidert båndet for å plassere det som en av de mest kompliserte, psykologisk sett, av den berømte regissøren. Det vil være slik at postmodernismen beveger seg bort for å imøtekomme et stadium av presserende hendelser på et personlig og sosialt nivå, i sammenkoblingen av det medierte, det flyktige av det presserende.

Sannheten er at Kubricks siste film har motstått tiden og fått større styrke enn den hadde i kontrovers for to tiår siden, og ikke bare etterlater seg som den siste vestige eller filmiske testamentet til regissøren, men som en film som våget å undersøke pine av selvsensur, undertrykte ønsker eller kjedsomhet av kjærlighet som søker andre kanter for å fornye seg, fra sinnets fordypninger og pine, strømmet inn i de doble standardene for de hemmelige intensjonene til slutten av et årtusen som ble sett i andre. 1999, 2 tiår fra begynnelsen og slutten av et århundre, og for oss i dag, mot begynnelsen av et nytt tiår.

Forsidebilde: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Forfatter og dokumentarprodusent. Regnet som en av de ledende eksponentene for latinamerikansk vitnemålslitteratur. Han er forfatter av romanene El Surco, El Ítamo og diktene Navigate Without Oars and Cardinal Points, som tar for seg universell migrasjon og har blitt studert på forskjellige universiteter over hele verden . Han regisserte dokumentarfilmene The Human Voice and Rest Day . Han er redaksjonssjef for Filmakersmovie.com.